¿Cómo distinguir una tendencia artística pasajera de un movimiento cultural sólido?

Para el crítico, curador o coleccionista, el panorama del arte contemporáneo se presenta como un océano abrumador de novedades. Cada temporada surgen estilos, nombres y formatos que claman ser la «próxima gran revolución». La reacción habitual es buscar refugio en métricas aparentemente seguras: los resultados de las subastas, la viralidad en redes sociales o la adopción por parte de celebridades. Se nos dice que sigamos el dinero o los «me gusta» para entender qué es relevante. Sin embargo, estas brújulas a menudo solo apuntan hacia el epicentro de la especulación, no hacia el núcleo de la innovación cultural.

Este enfoque nos lleva a confundir el ruido con la señal, la moda con el movimiento. ¿Y si la clave para navegar este entorno no estuviera en cuantificar la popularidad, sino en cualificar la conversación? El verdadero parteaguas entre una tendencia pasajera y un movimiento cultural sólido no se encuentra en la superficie estética ni en la etiqueta del precio. Reside en la naturaleza del discurso que una corriente artística es capaz de inaugurar. Una tendencia es un monólogo del mercado; un movimiento es un diálogo con la historia, la técnica y la sociedad. Este artículo propone un marco de análisis para aprender a escuchar esa diferencia, examinando fenómenos actuales no por lo que parecen, sino por lo que nos obligan a discutir.

A lo largo de este análisis, desglosaremos los indicadores que separan lo efímero de lo trascendental. Exploraremos desde el resurgir de la artesanía hasta la influencia digital, proporcionando las herramientas para evaluar la solidez de las corrientes que definen nuestro presente artístico.

¿Por qué el tejido y la cerámica han vuelto al centro del discurso contemporáneo?

El retorno triunfal de medios como el tejido y la cerámica al epicentro del arte contemporáneo no es un simple capricho nostálgico. Es la manifestación de una profunda tensión material, una respuesta crítica a la desmaterialización de nuestra era digital. Mientras las tendencias pasajeras a menudo se apropian de una estética artesanal de forma superficial, el movimiento subyacente aquí genera un discurso sobre el valor del tiempo, el cuerpo y el conocimiento ancestral. La feria cerARTmic Madrid, por ejemplo, no solo exhibe objetos; crea una plataforma para un diálogo necesario, como lo demuestra el hecho de que 35 artistas y 15 galerías participaron en su primera edición de 2024, evidenciando una infraestructura cultural emergente.

La diferencia entre tendencia y movimiento se vuelve palpable al comparar un objeto cerámico producido en masa para la decoración de interiores con el trabajo de colectivos que preservan y reinterpretan técnicas milenarias. Un ejemplo destacado es la cooperativa textil indígena mexicana Sna Jolobil, fundada en 1976. Su éxito y reconocimientos, como el premio de la UNESCO, no se basan en una moda, sino en la construcción de un capital simbólico que reivindica una cosmovisión a través de la técnica.

Este resurgimiento se nutre de un discurso que cuestiona la velocidad y la obsolescencia programada. Como afirmaron los organizadores de cerARTmic Madrid en su declaración inaugural:

La cerámica encierra una vida atemporal y anacrónica, vieja pero nueva, sencilla aunque sofisticada, y siempre tiene algo de eterno retorno

– cerARTmic Madrid, Declaración inaugural de la feria cerARTmic 2024

En definitiva, la solidez de este movimiento no radica en el material en sí, sino en su capacidad para articular una crítica al presente. El tejido y la cerámica se han convertido en vehículos para un discurso crítico sobre la autenticidad, la comunidad y la resistencia a la homogeneización digital, lo que les confiere una resonancia histórica que trasciende cualquier moda.

Cómo integrar el discurso ecológico en la obra sin caer en el «greenwashing»

La conciencia ecológica se ha instalado en el arte contemporáneo, pero con ella ha llegado su sombra: el «greenwashing» artístico. Una tendencia pasajera se limita a adoptar una estética «verde» —uso de colores tierra, formas orgánicas o materiales reciclados de forma superficial— sin un compromiso real o un discurso crítico profundo. Un movimiento ecológico sólido, por el contrario, va más allá de la apariencia para cuestionar los propios sistemas de producción, consumo y exhibición del mundo del arte. La diferencia, una vez más, está en la calidad del discurso.

El «greenwashing» utiliza la ecología como un tema de venta, mientras que el arte ecológico auténtico la integra como una metodología. Esto implica una reflexión sobre la huella de carbono de la propia obra, la procedencia de los materiales y el ciclo de vida de la pieza. Se trata de una práctica que genera una tensión entre la ética y la estética, obligando al espectador a confrontar la complejidad del problema en lugar de consumir una imagen tranquilizadora.

Como observa Sara Zaldívar, directora de cerARTmic, «ahora mismo hay un notable deseo de seguir en contacto con lo artesanal, frente al irrefrenable desarrollo de la era digital». Esta afirmación, aunque referida a la cerámica, es extensible a la ecología. El verdadero arte ecológico busca una conexión genuina y material con el entorno, una autenticidad que el simulacro digital o el marketing superficial no pueden ofrecer. La obra deja de ser un mero objeto de contemplación para convertirse en un agente de cambio o en un testimonio material de un proceso sostenible.

Para el curador o coleccionista, distinguir ambas corrientes implica preguntar: ¿la obra simplemente ilustra un problema ecológico o su propia existencia encarna una solución o una crítica radical al sistema? El movimiento real no decora el problema, lo disecciona. Es la diferencia entre un cuadro de un bosque y una escultura hecha con árboles caídos de ese mismo bosque, cuyo proceso de creación ha implicado a la comunidad local.

Nueva figuración o abstracción zombi: ¿qué domina realmente las ventas actuales?

El debate entre figuración y abstracción es tan antiguo como el modernismo, pero hoy resurge con una nueva complejidad. Por un lado, vemos un auge de la «abstracción zombi» o «process-based abstraction», un estilo a menudo formulaico y estéticamente agradable que se produce en serie para satisfacer la demanda de un mercado decorativo. Por otro, emerge una «nueva figuración» que explora la identidad, la política y la psicología en la era digital. Para un analista, la pregunta no es cuál vende más, sino cuál está generando un discurso crítico más potente.

La abstracción zombi es el ejemplo perfecto de una tendencia de mercado. Su valor es casi exclusivamente capital económico. A menudo carece de resonancia histórica o de un debate conceptual profundo, funcionando como un producto de lujo intercambiable. En contraste, el resurgimiento del interés en la pintura al óleo y otras técnicas tradicionales no es solo un retorno al pasado, sino un vehículo para que muchos artistas figurativos exploren temas contemporáneos con una gravedad y materialidad que la abstracción procesual elude.

La elección no es simplemente estilística. La nueva pintura figurativa a menudo se carga de narrativas complejas sobre la condición humana actual, mientras que gran parte de la abstracción de moda parece vaciada de contenido. Un movimiento cultural sólido se distingue por su capacidad de absorber y reinterpretar las preocupaciones de su tiempo, algo que la figuración contemporánea está logrando con mayor urgencia y pertinencia.

Este panorama obliga a examinar los movimientos artísticos no como categorías estancas, sino como sistemas de valores en competencia, donde el reconocimiento del mercado no siempre equivale a relevancia cultural.

El análisis de tendencias muestra que, si bien la abstracción puede tener una salida comercial rápida, la nueva figuración está construyendo un capital simbólico más duradero al abordar las complejidades de la vida moderna, convirtiéndose en un campo fértil para un movimiento cultural genuino.

El peligro de que el mercado mercantilice la identidad racial o de género del artista

Uno de los fenómenos más complejos y delicados del arte actual es el auge del «arte de identidad». Si bien este ha sido el motor de algunos de los movimientos culturales más importantes de las últimas décadas, abriendo espacios para artistas históricamente marginados, también corre el riesgo de ser cooptado por el mercado como una simple tendencia. El peligro surge cuando la identidad del artista se convierte en una etiqueta de marketing, un atajo que exime al espectador y al coleccionista de un compromiso crítico con la obra misma.

Una tendencia de mercado se enfoca en la biografía del artista como principal punto de venta («arte hecho por X»), mientras que un movimiento cultural sólido utiliza la experiencia vivida como punto de partida para un discurso universal que cuestiona estructuras de poder, desafía la representación y enriquece el lenguaje visual. La obra trasciende la anécdota personal para convertirse en un artefacto cultural con múltiples capas de significado. Cuando el mercado aplaude la identidad pero ignora el rigor formal o la complejidad conceptual, la está mercantilizando, reduciéndola a un fetiche.

En este contexto, la visibilidad en redes sociales, aunque necesaria, es un arma de doble filo. Como señala el crítico Antonio García Villarán, «el artista del siglo XXI es el que está a tope con las redes sociales» y mostrar el proceso «le da valor a la obra». Sin embargo, esta misma lógica puede incentivar la creación de una «marca personal» basada en la identidad que eclipsa la propia producción artística. El artista se ve presionado a performar su identidad para el mercado, en lugar de explorarla críticamente a través de su obra.

La tarea del analista es discernir cuándo una obra utiliza la identidad para abrir una conversación y cuándo el mercado utiliza la identidad para cerrar una venta. El primer caso construye infraestructura cultural y amplía el canon; el segundo genera una burbuja especulativa que, a la larga, puede ser perjudicial tanto para los artistas como para el propio discurso que pretendía visibilizar.

Cuándo la estética digital traspasa la pantalla para influir en la pintura al óleo

La influencia de la estética digital en los medios tradicionales como la pintura no es una novedad, pero su fase actual revela una madurez que la eleva de simple tendencia a posible movimiento. Al principio, esta influencia era mimética: artistas que pintaban interfaces, píxeles o glitches de forma literal. Hoy, el fenómeno es más profundo. No se trata de pintar «lo digital», sino de pensar y construir una imagen pictórica con una lógica y una sensibilidad moldeadas por nuestra vida en pantalla.

Aquí, la tensión material es máxima. ¿Cómo traducir la luz de una pantalla de plasma al óleo? ¿Cómo plasmar la superposición de ventanas y la fragmentación de la atención en una composición estática? Los artistas que abordan estas preguntas no están siguiendo una moda; están expandiendo el lenguaje de la pintura para que pueda articular la experiencia del siglo XXI. Están generando un discurso crítico sobre la naturaleza de la imagen en un mundo saturado de reproducciones digitales.

Esta corriente artística tiene una fuerte resonancia histórica con movimientos como el cubismo, que también descompuso la forma para reflejar una nueva percepción de la realidad (la velocidad, la multiplicidad de puntos de vista). De manera análoga, como se señala en un análisis sobre videoarte, «la naturaleza efímera de estos formatos ha influido en la estética […] donde la inmediatez y la instantaneidad se convierten en herramientas creativas». Esta lógica de lo efímero y fragmentado ahora se filtra en la pintura, un medio tradicionalmente asociado a la permanencia y la unidad.

Una tendencia se quedaría en la superficie, replicando la estética del «glitch art» o los filtros de Instagram sin más. Un movimiento, en cambio, investiga cómo estas nuevas formas de ver afectan nuestra psicología, nuestra memoria y nuestra relación con el mundo físico. El coleccionista inteligente no busca el cuadro que parece una foto de Instagram, sino aquel cuya estructura, pincelada y uso del color revelan una profunda meditación sobre lo que significa mirar en la era digital.

¿Por qué el minimalismo está cediendo paso a un nuevo barroco visual?

Durante años, el minimalismo, con su mantra de «menos es más», ha dominado no solo el arte, sino también el diseño y el estilo de vida. Acuñado por Richard Wollheim en 1965 para describir obras reducidas a su esencia con formas geométricas y colores planos, este movimiento representó una búsqueda de orden y claridad. Sin embargo, estamos presenciando un giro pendular hacia un maximalismo o «nuevo barroco», una corriente que abraza la complejidad, la ornamentación, la superposición y la saturación visual. Este cambio no es una mera reacción estética, sino un discurso cultural en sí mismo.

Este nuevo barroquismo puede interpretarse como una respuesta directa a la propia era digital que el minimalismo de interfaz (UX/UI) ayudó a estandarizar. Si el minimalismo buscaba la pureza, el maximalismo refleja la realidad caótica y multifacética de un mundo globalizado y saturado de información. Es un lenguaje visual que permite expresar identidades complejas y fluidas, donde la fusión de estilos, el remix cultural y la apropiación de narrativas diversas son la norma. No se trata de un simple horror vacui, sino de un intento de crear sistemas visuales que capturen la densidad de la experiencia contemporánea.

Una tendencia maximalista se limitaría a acumular elementos decorativos sin un propósito claro. El movimiento, en cambio, utiliza la complejidad como una herramienta conceptual. En pintura, se manifiesta a través de composiciones abigarradas y llenas de referencias; en instalación, mediante entornos inmersivos y sensorialmente abrumadores. Se trata de un arte que exige tiempo y atención, posicionándose en contra del consumo rápido de imágenes que domina las redes sociales.

El paso del minimalismo al maximalismo no es solo un cambio de gusto. Es el síntoma de una sociedad que, tras una fase de depuración, siente la necesidad de un lenguaje más rico y heterogéneo para narrarse a sí misma. Es un movimiento que valora la abundancia de significado por encima de la claridad formal.

Años 80 o 90: ¿qué década resuena más con el poder adquisitivo de los coleccionistas hoy?

El interés del mercado por décadas pasadas no es aleatorio; está directamente ligado a la demografía y la psicología de los coleccionistas con mayor poder adquisitivo. Generalmente, los coleccionistas tienden a sentirse atraídos por el arte de su juventud, un período formativo que evoca una fuerte carga nostálgica y cultural. Durante años, el arte de los 80, con su expresionismo audaz y su conexión con la cultura pop emergente (pensemos en Basquiat o Keith Haring), ha dominado este mercado retrospectivo. Sin embargo, a medida que la Generación X y los primeros Millennials alcanzan su pico de poder adquisitivo, el foco se desplaza hacia los 90.

La diferencia no es solo cronológica, sino discursiva. Los 80 fueron una década de explosión y exuberancia. Un claro ejemplo es la evolución del arte español durante la Transición, donde la Movida Madrileña representó una liberación creativa. Los 90, en cambio, fueron una década más cínica e irónica, marcada por el auge de la globalización, el arte conceptual, la performance y el videoarte. El discurso de los 90 se centró en la deconstrucción de la imagen, la crítica institucional y las políticas de identidad de una manera más formalizada.

Hoy, la resonancia de una u otra década depende del tipo de coleccionista. Aquellos que buscan energía y un vínculo con la cultura de masas siguen gravitando hacia los 80. Quienes se interesan por un arte más cerebral, crítico con los medios y conceptualmente denso, encuentran en los 90 un terreno más fértil. Curiosamente, las generaciones más jóvenes, como la Gen Z, muestran una relación diferente con el pasado, a menudo desprovista de nostalgia y más enfocada en la creación de comunidades de fans, donde un estudio de Google/Ipsos encontró que el 59% de la Gen Z en México se considera súper fan de algo o alguien. Esto podría alterar radicalmente las dinámicas de coleccionismo en el futuro.

La prevalencia de una década sobre otra en el mercado actual no es solo una tendencia, sino un indicador de qué tipo de discursos culturales están siendo re-evaluados y considerados relevantes por la generación que hoy ostenta el capital económico para hacerlo.

¿Cómo revitalizar un barrio degradado mediante la instalación de estudios de artistas?

La idea de que los artistas pueden ser catalizadores de la regeneración urbana es uno de los mitos fundacionales del urbanismo cultural. En teoría, la llegada de creadores a un barrio degradado inyecta vida, atrae a otros negocios creativos y convierte la zona en un foco de interés. Como señala Galería Trama, «el arte urbano ha convertido las calles en galerías abiertas, democratizando el acceso al arte». Sin embargo, este proceso, si no se gestiona con una visión de movimiento cultural y comunitario, degenera rápidamente en una tendencia de mercado inmobiliario llamada gentrificación.

La diferencia fundamental reside, de nuevo, en el discurso y la intención. Una revitalización que constituye un movimiento cultural sólido implica la creación de una infraestructura cultural que se integra con la comunidad existente. Los artistas no solo ocupan espacios, sino que abren sus estudios, organizan talleres para los vecinos, crean obras de arte público que dialogan con la historia del lugar y colaboran con los comercios locales. El objetivo es el enriquecimiento mutuo y el desarrollo orgánico del tejido social.

Por el contrario, la gentrificación es una tendencia de mercado que utiliza a los artistas como una avanzadilla involuntaria. Su presencia aumenta el «atractivo» y el «capital simbólico» del barrio, lo que dispara los precios de los alquileres. Los primeros en ser desplazados son los residentes originales, y a menudo, los propios artistas que iniciaron el proceso. El barrio no se revitaliza, sino que se reemplaza. Se convierte en un producto de consumo para una clase más pudiente, perdiendo su identidad original.

Para que la instalación de estudios de artistas sea un verdadero motor de cambio positivo, debe ser parte de un proyecto más amplio, a menudo apoyado por políticas públicas que protejan a los residentes y a los propios artistas con alquileres controlados y espacios de trabajo asequibles. Sin este marco, los artistas pasan de ser agentes culturales a ser, sin quererlo, instrumentos de la especulación. El discurso cambia de «creemos comunidad» a «invertimos en una zona con potencial».

Para aplicar esta visión analítica, el siguiente paso consiste en evaluar cada nueva propuesta artística no por su precio o popularidad inmediata, sino por la naturaleza y la profundidad de la conversación que es capaz de proponer.